Yazar Antonia Byatt'a göre insanın dünyayı hayal edebilmesi, tasvir edebilmesi, bir kalıbını koruyabilmesi için sanata ihtiyacı vardır. Ben de öyle düşünüyorum. Sanata ihtiyacımız var çünkü onsuz modern insanlar olamayız, çünkü o bir bin yıldan fazla bir süredir bizimle el ele gitti.
Peki sanat denilen şey nedir, ne değildir?
Sanatın, bir kişinin duygularını, izlenimlerini yansıtma çabası biçiminde yarattığı her şey olduğuna inanıyorum; Bu, bir sanatçının resim yapmasını, bir mimarın - modelin, bir müzisyenin - beste yapmasını ve müzik çalmasını sağlayan içsel dürtüdür. Bu bizim özümüzdür. Kendini çizmeyen veya bestelemeyen herkes, başkalarının eserleri aracılığıyla bunun için çabalar: Yaratıcının ve halkın duyguları ve izlenimleri yeni, herkes için anlaşılır bir şeyle iç içe geçmiştir, ancak aynı zamanda herkes için kişisel bir şeyler vardır.
Sanat, herkes tarafından anlaşılabilir veya dar bir anlayış çevresine sahip olmak olarak ikiye ayrılabilir.
Ama her durumda, sanat olacak, çünkü asıl şeye sahip - duygu, yazarın eserine kattığı ruh.
Konunun anlatımı kafamı karıştırdı. Gerçek şu ki pencerenin dışında hangi çağ olursa olsun sanat her zaman yakındadır. Ve tüketim çağı - neden şimdi? MS 7. yüzyılda ne oldu ve MÖ 7. yüzyılda ne oldu? Bu tüketim nedir? Maddi ve manevi malların tüketimi buysa hiçbir şey değişmedi. Kabuk değişiyor - mumlar, arabalar, nanoteknoloji ortaya çıktı, ancak tüm hayatımızın özü aynı kaldı ve insanlar hiç değişmedi, bu tarihin kendisinden veya kitaplardan açıkça görülüyor.
Elbette şimdi sözde kitle kültürü ortaya çıktı, ancak gerçek şu ki, insanlar her zaman kendi çağlarını en ileri ve en sorunlu çağ olarak görmeye meyilli olmuşlardır ve olmaya devam edecekler. Ancak gerçek şu ki, Viyana klasikleri ve romantik besteciler inanılmaz derecede popüler olduğunda, onları dinlemek modaya uygun, onurlu ve (tabii ki yüksek sosyete için) bir alışkanlıktı. Ve köyde de aynıydı - ebeveynlerden çocuklara şarkılar, destanlar dolaştı ve herkes kendi yerel şarkılarını ve masallarını biliyordu. Tüm. Bu, o zamanın kitle kültürüydü, ancak bazı nedenlerden dolayı çoğu kişi maça maça demekten korkuyor. Şimdi genel olarak bunun kutsal olduğu kabul ediliyor, ancak bu sadece o zamanın müziği, edebiyat, mimari vb. Gibi. Elbette bunların bir kısmı insanlığın altın fonuna girdi, ama hepsi değil.
Yani sanat ve tüketim çağı her zaman var, ancak medeniyet yerinde durmuyor, fikirler, sebepler ve kabuk değişiyor.
Konularla ilgili yazılar:
- Her birimiz muhtemelen hayatımızda en az bir kez şu soruyu sorduk: "Neden ders çalışmamız gerekiyor?" veya “neden çalışıyorum?” Daha sık...
- Tarih insanların hayatıdır; yüzyıllar boyunca şekillenir. Tarih mutlaka bilinmesi gereken bir şeydir; tarihi inceleyerek şunları öğreniriz...
20 Haziran'da Rus Müzesi'nde retrospektif bir açılışım var ve bu gurur verici. Bunun kesinlikle sanatla alakası yok.
İnsanın kibirini eğlendiriyor ama sanatla hiçbir ilgisi yok.
Genel olarak konuşursak, sergi olgusu sanatın önemini yitirdiği bir dönemde ortaya çıktı - Sistine Şapeli üzerinde çalışan Michelangelo, sergi eksikliğinin yükünü taşımadı ve Mantegna "Zaferlerini" on yıl boyunca sarayda yaşayarak yazdı. dEste hakkında ve kimsenin tam olarak ne yazdığını bilmediği gerçeği hakkında. Üstelik dEste ailesi tarafından takdir edilmeyen bu "Zaferler", İngiltere Kralı II. Charles tarafından ele geçirilip Hampton Court'a taşınana kadar gereksiz yere toz topladılar ve orada karanlık bir köşkte asıldılar ve bugün neredeyse hiç kimse onları görmedi. .
Size şunu soracağım: Andrea Mantegna'nın “Zaferler” tablosunu biliyor musunuz, hiçbirinizin bu eserin varlığını hayal bile etmediğinden neredeyse eminim - ve bu, her biri altı metre uzunluğunda dokuz tuvalden oluşan bir poliptiktir. ve bu Rönesans'ın en önemli eserlerinden biridir. Abartmıyorum, okuyucuyu şaşırtmak için değil, bu böyle: Mantegna on yıl boyunca Platon'un kavramını netleştiren bir eser üzerinde çalıştı - onu bitirdi, öldü, tabloya ihtiyacı yoktu, sonra Kendini beğenmiş bir İngiliz onu satın aldı, taşra mülküne astı ve onlar da resmi unuttular.
Ancak tablonun varlığı sona ermedi ve enerjisini dünyaya verdi. Tablo gizli ve biz göremiyoruz ama onun dünyadaki varlığının etkisi çok büyük.
Sanat, her zaman anlamlı olmayan varlığımıza özgünlüğün enerjisini vermek için vardır. Bu, insanlara başkalarına şefkat duyma yeteneği veren türden bir enerjidir; daha önce bilmedikleri duyguları deneyimlemek; kendi duygularını kendi türlerinin anlaşılmaz duygularıyla karşılaştırır ve çevrelerindeki dünyayı daha keskin bir şekilde hissederler. Bu bir nevi dünyayı tanımaktır, ancak bu bilimin insanlara verdiği bilgi değil, daha ziyade coşkulu bir deneyimdir. Sanat bu deneyimi yoğunlaştırır ve dünyaya gönderir; gerçek sanat ise bu etkiyi yüzyıllar boyunca sürekli olarak üretme yeteneğine sahiptir. Artık Mantegna'nın tablosu var ve bu eylem, birisinin tabloyu görüp görmemesine bakılmaksızın düzenli olarak gerçekleşiyor.
Görüyorsunuz, ruhun yayılmasının nesnel bir fiziksel olay olduğundan eminim.
Hermitage veya Louvre'da başlarını tablolara çevirmeden yürüyen turist gruplarına muhtemelen dikkat etmişsinizdir; bu tür insanlarla dalga geçmek yaygındır.
Boşuna alay edildiklerine inanıyorum: Bu insanlar inanılmaz bir sanat yükü alıyorlar, varlığın özgünlüğünün güçlü bir enjeksiyonunu alıyorlar. İnsanlar tablolara bakmasa bile resimler onlara enerji veriyor.
Sonsuza dek sürecek sanat eserleri yerine, günübirlik el sanatları üretmeye başlayan bir toplumda, sanat sergilerine olan ihtiyaç ortaya çıktı. Mantegna çağlar boyunca yazmıştır (şifresini çözdüğü Platon gibi), ama bir gazeteci günün konusunu yazar, bir beyitçi itfaiyecinin günü için beste yapar ve modern bir sanatçı, eğer eserlerini öğle yemeğinden önce göstermezse, artık modern olmayacak, felaket bu. “Kendini ilan etmeye vakit bulamama”, kendini ifade etmekte geç kalma riski, bilinç kaybında ortaya çıktı; bu bir sonuç akli dengesizlik, topluma gazetecilik virüsü aşılandı.
Sanat da tıpkı hayatın kendisi gibi ya vardır ya da yoktur ve “sanatın gerçeği” denilen şey, bu gerçeğin kanıtlanmasının gerekmemesidir. "Anın gerçeğine", sözde "ilgiye" karşılık gelme arzusu zaten o kadar çılgın ki, o an, tanımı gereği asla doğru olamaz. Dünyanın her yerinde kelebek sergileri her gün yapılıyor, moda geçit törenleri her sezon aydınlanmış insanlığı şok ediyor ve magazin dergileri her gün yeniden şakalaşıp dişlerini şaklatmak zorunda kalıyor. Bu bir güvenlik faaliyetidir, tiyatronun fuayesinde olur ama sanatın kendisi başka bir şeydir.
Öğretmenlerimden biri, 70'lerin sonunda ölen Moskova sanatçısı Evgeny Andreevich Dodonov'du. Adını hiç duymamış olsanız da, bu önemli bir Rus sanatçısı. Ancak Mantegna’nın “Zaferlerini” de duymadınız.
Evgeniy Andreevich görünüşte Zabolotsky'ye benziyordu: ceketli, yuvarlak gözlüklü ve evde çizme giyen temiz bir adam. Emekli olduktan sonra da dengelerini koruyan insanlar (üniversite profesörleri veya emekli askeri personel) var - o da böyleydi. Kievsky tren istasyonu yakınındaki iki odalı apartmanın odaları arasında yavaş, sakin bir adımla yürüdü - her zaman düz bir sırtla, her zaman cilalı ayakkabılarla.
Alkol içmiyordu, sigara içmiyordu, nasıl yemin edeceğini bilmiyordu - o yılların sanatçılarının renkli geçmişine karşı bir muhasebeciye benziyordu. Daha sonra (ancak her zaman) sanatçılar görünümleriyle doğalarının özgünlüğünü vurguladılar ve küfür ve sarhoşluk gerekli bir dekorasyondu ve manzara sahnenin dörtte üçünü kapladı. Ancak çok geçmeden rahatlama geldi: Performans türü, yaratıcılığa gündelik öfkeyi getirdi.
Dodonov bunların hiçbirini sevmiyordu ya da nasıl yapılacağını bilmiyordu ve özgürlüğü seven herhangi bir şirkete katılamadı.
Herhangi bir şirkete katılmak istemedi. O ısrarcı bir ressamdı; tüm hayatı boyunca kendisinin ve neslinin başına gelenleri resmetti: Kampları ve transferleri, yemek kuyruklarını, taşra meydanlarındaki garip manzaraları, ağlayan insanları, mültecileri, dilencileri resmetti. Dodonov kampta on yıldan fazla zaman geçirdi, savaştan sonra kamptan çıktı ve sonraki yıllarda ülkede yaşananları anlattı.
Şövale ve tuvalin odaya sığmaması nedeniyle kağıt üzerine kalem ve tempera ile resim yaptı. Dodonov, tuhaf detayların tadını çıkararak, detayları çizerek uzun süre resim yaptı ve ardından resimleri yatağın altına yığdı. Herhangi bir sergi ya da satış beklemiyordum. Çizginin gergin olduğunu ve karakterlerin özelliklerinin tuhaf bir şekilde yorumlandığını göz önünde bulundurursak, Dodonov'un tarzına büyük olasılıkla "dışavurumculuk" denmesi gerekir. Bu tür tanımların tümü şartlıdır ve Rus sanatında dışavurumculuk olgusu yanlış tanımlanmıştır. Özünde dışavurumculuk, üslup tekniklerini ikon resminden miras alır: Rusya'da Novgorod ikonundan ve İspanya'da örneğin Yunan ikon resminden Girit El Greco'ya kadar. Rus dışavurumcuları Filonov ve Goncharova'ydı. Chagall, Falk, Drevin - ama tekrar ediyorum, mesele teknikte değil, elin gidişatında değil. Bu tarzın kaynağı olan ikonografik coşku bazılarının doğasında var, bazılarının ise değil: Van Gogh, Georges Rouault ve Egon Schiele'yi de aynı şekilde haklı olarak dışavurumcu olarak adlandırıyoruz. Dodonov ateşli, fanatik bir insandı ve bu daha da şaşırtıcıydı - günlük yaşamda ölçülü ve sıkıcı derecede düzenli olması. Ancak Van Gogh'un resimleri de düzgün çerçevelere yerleştirilmiştir.
Çok sık görüyoruz sadece karşı örnekler: Görünüşüyle ezici bir dekoratif etki yaratan fırtınalı bir kişilik, gerçekte kesinlikle hiçbir şey yaratmaz - ve Evgeniy Andreevich iyi huylu bir adamdı ve ölçülü davrandı, ancak resimleri son derece fırtınalıydı.
Ölümünden sonra 2000 yılında Tretyakov Galerisi'nde bir sergi açtı. Baktılar, hatta şaşırdılar, çoğu beğendi, ama hemen unuttular - "anın gerçeği" 98 krizinin üstesinden gelmek, yeni kredilerle, Putin'in küresel markalara ve trendlere uygun olarak gelişindeydi - böyle tutkular, nefes nefese! Güncel sanatçıların sergileri dünyanın dört bir yanındaki galerilerde dolaşıyor; bu, tam zamanında orada olmak ve sonra orada olmak gibi devam eden bir tutku maratonu: Venedik, Basel, Londra, daha doğrusu, bunu yapamayanlar geç kaldı! Dodonov'un bununla ne ilgisi var? Yani eşyaları yatağın altında yatıyordu. Doğru, resimleri yakın zamanda Volga Sanat Galerisi tarafından satın alındı ve yeni bir müze ortaya çıktı; Buna katkıda bulunduğum için gurur duyuyorum. Sergide Dodonov'un yaklaşık yirmi eseri yer alacak.
Ancak bu da hiçbir şey ifade etmiyor. Bunu mucizevi bir şekilde elde ettiler, fark etmemiş olabilirler - sonuçta o ünlü grupların bir parçası değildi, doğru zamanİle doğru insanlar tanışmadım.
Şunu söylemek gelenekseldir: zamanı gelecek. Bu saçmalık, buna inanmamalısın. Bu asla bir teselli olmamalı. Zaman gelebilir ya da gelmeyebilir -bir an olarak, bir aciliyet olarak, bir gazete habercisinin makalesi olarak, "on beş dakikalık şöhret" olarak anlaşıldığında- böyle bir zaman asla gelmeyebilir. Ancak böyle bir zamanın önemi yok. Sanatçının zamanı bir kez geldi mi her zaman kalır - sanatın acelesi yoktur, sadece vardır, kalır, hatta unutulur, hatta bilinmez, dünyayı değiştirir - bu onun gücüdür.
Bu güç yenilmezdir.
Çizimlerin yorumlanması gibi psikologların bu yöntemini hepimiz çok iyi biliyoruz. Ancak çok az insan bunun ne kadar güçlü bir felsefi temele dayandığını düşünüyor.
Çocuklarım ve ben en zor konu olan “Dünya Görüşü Krizi” üzerinde çalışırken XIX sonu– 20. yüzyılın başı ve bunun edebiyat ve sanata yansıması” diyerek onlara sanatın özünü, her annenin aşina olduğu, çok basit, gündelik bir örnekle anlattım. Bir gün oğullarımı anaokulundan almaya geldiğimde merdivenlerde 8 Mart için bir çizim sergisi gördüm. İtiraf ediyorum, portremi biraz korkuyla arıyordum: 90'ların ortasındaydı ve sadece kuaföre değil, yemek için bile yeterli para yoktu. O yıllarda bitkin görünüyordum ve kısa sürede anlaşıldığı üzere, zaten depresyonun eşiğindeydim ve birkaç hafta sonra bundan kurtuldum. Ayrıca ön dişimin uzun süredir yarısı yontulmuştu ve bu da gülümsememi zorlaştırıyordu.
Oğlumun beni altın rengi saçlı ve neşeli bir gülümsemeyle resmettiğini keşfettiğimde yaşadığım şoku hayal edin. Bir içgörü gibi, düşünce geldi: Çocuklar önemsiz şeyleri ve önemsiz şeyleri umursamazlar - fenomenin özüne nüfuz ederler. Anne güzelliktir, nezakettir ve gülümsemedir. Ve gerçek anne yorgun ve kızgın olabilir ama çocuk onu neşeli ve güzel olarak resmedecektir. En azından aksi yönde ikna olana kadar. Bu nedenle sanatın dünyayı anlamanın bir yolu olduğu hatırlanarak çocukların çizimlerine özen ve dikkatle yaklaşılmalıdır. Ancak bir çocuktan en çok ne talep ederiz? Böylece gerçeğe maksimum benzerlik elde ederek çiziyor ve heykel yapıyor.
Ve böylece, bir sanat eserine en büyük övgünün "hayatta olduğu gibi", hatta "fotoğrafta olduğu gibi" olduğu, sanatın rolünü basit kopyalamaya indirgeyen bir kişi büyür. Ancak bakışlarımızı durdurması gereken şey, etrafımızdaki dünyaya dair fikrimizle tam olarak örtüşmeyen şeydir, çünkü bize gerçeği ortaya çıkarabilecek şeyler bunlardır. Sanatçı sadece hayattan resim yapmıyor veya tuvale rastgele boya atmıyor; gördüklerinin anlamını kavramaya çalışıyor. Güzel sanatlar bize hayatı hayal ettiğimiz gibi değil, gerçekte olduğu gibi gösterir. Bunda sanat bilime yaklaşır ve modern felsefede özel bir terim vardır - bilimsel olmayan bilgi biçimleri. Bazı bilim adamlarının yaptığı gibi bu biçimlere şüpheyle yaklaşmaya gerek yok çünkü felsefi bilme biçimi de bu kategoriye giriyor. Sanat ve bilim karşıt değil, birbirini tamamlıyor.
Bu nedenle müzede anlamadığınız bir şeyin yanından geçmemeye, durup nedenini düşünmeye çalışın. Örneğin bir manzarayı tasvir eden bir tablonun önünde durmayı öğrenin ve genellikle çok sıradan olan bu özel görünümün neden sanatçının dikkatini çektiğini düşünün. İnan bana, bu çok ilginç ve kendin hakkında pek çok şeyi anlamana yardımcı olacak.
Tarihte sanatta olduğu gibi bu kadar çok zevk ve lanetle, drama ve gizemle, bulunan ve kaybedilen mutlulukla ilişkilendirilen başka bir olgunun olması pek olası değildir. Ama öyle görünüyor ki, burada belirsiz olan ne olabilir? Birçok halkın dilinde (Rusça, Ukraynaca, Çekçe vb.) Bu kelime beceri, beceri anlamına gelir. Herhangi bir insan ürününün, ister iyi bir çizme ister bir somun ekmek olsun, "gerçek sanat" olduğu söylenebilir! Ve aslında her usta kendi sanatının ustasıdır.
Zaten sanat nedir? Peki bunu anlamanın zorlukları nelerdir?
Çocukluğumuzdan beri, okuldan, Nekrasov'un "Rusya'da İyi Yaşayan" şiirinden köylü Yakim'in hikayesini hatırlıyoruz:
Onunla bir olay yaşandı: resimler
Oğlu için aldı
Onları duvarlara astım
Ve kendisi de bir çocuktan daha az değil
Onlara bakmak hoşuma gidiyordu...
Sonra bir yangın çıktı ve Yakim, bir yüzyıl boyunca biriken 35 rubleyi yangından almak yerine resimleri kurtarmaya başladı...
Bununla bağlantılı olarak, çocukluktan itibaren gereksiz resimleri tüm zenginliğine tercih eden böylesine pratik olmayan bir Yakim'in imajı hafızada kalıyor. Neden işe yaramaz yenilgi doğrudan ilgiyi, bariz faydayı sağladı? Her şey için "eğitimsiz" Yakima'yı suçlamayalım. Daha sonra göreceğiz ki, eğitimin en üst düzeyinde bile insanlar sanata daha az fedakarlık yapmaya hazır değiller.
Böylece, seçkin Rus sanatçı Alexander Ivanov'un ana tablosu olan "İsa'nın İnsanlara Görünüşü" adlı tablosunu yapmak 20 yıl sürdü. Neredeyse bir ömür! Ona bu münzevi işi yaptıran neydi?
Sanatın insanlar üzerindeki bu kadar güçlü etkisinin nedeni de ilk bakışta belirsizdir. Daha önce de söylediğimiz gibi, onun etkisi altında hem başarılar hem de suçlar, bazen trajik hatalar işleniyor.
Bir komutan askerlerin yorulduğunu görünce ne yapar? Emirler: Şarkı söylemeye başlayın! Savaş sırasında askerlerin spor çantalarında, yedek el bombaları ve fişeklerin yanında ciltler dolusu Puşkin, Lermontov, Tyutchev vardı - hiç de "askeri" şairler değil. Büyük İskender, Homeros'un İlyada'sını bir hançerle birlikte yastığının altına sakladı.
Görünüşe göre sanatta insanların itaat ettiği, ihtiyaç duyduğu, çekildiği ve özümsediği bir tür güç var. Diyelim ki karikatürlerin yöneltildiği kişiler tarafından beğenilmediği açık. Ancak bazen birini ifşa etme açısından oldukça masum olan resimler patlayıcı bir güç kazanır.
Sanat insanı diğer yöne itebilir ve hiç de yiğit olmayan düşüncelere ilham verebilir. Böylece Goethe'nin "Genç Werther'in Acıları" adlı eseri bir zamanlar bir intihar dalgasına neden olmuş ve "Tarzan" filmi gençlerin pek çok yaralanmasına neden olmuştu: Toplu halde ağaçlara tırmandılar ve "Tarzan gibi" diye çığlık attılar.
Edebiyat tarihi, bir polis müfettişinin kocasından neden kaçtığını sorduğunda, Fransız bir kadının kendini savunmak için tek kelime edemediği, sadece Balzac'tan büyük parçalar alıntıladığı durumları bilir...
Sanatla ilgili ana "neden"imize dönelim ve şu soruyu cevaplamaya çalışalım: Bir insan neden sanata ihtiyaç duyar, neden ortaya çıktı ve neden yok olmuyor, tam tersine giderek daha fazla yeni hayran kazanıyor ?
Adam bugün bunu düşünmeye başlamadı. Sanatın ortaya çıkış nedenlerini anlamaya çalışırken, az çok makul bir takım açıklamalar ortaya koydu. Bunlardan ilki, sanatı ilkel büyüden türeten, "sihirli" sanat teorisi olarak adlandırılan teoridir. Ancak insan büyüyü aştığında sanatın neden ortadan kaybolmadığını açıklayamıyor.
Başka bir teori - "oyun" - sanatı bir oyuna benzetiyor. Bu teorinin destekçileri arasında çok sayıda seçkin beyin vardı ve sanatta oyun unsurunun olduğu inkar edilemez. Bugün bile bir sanatçıyı överken “Harika oyun!” deriz. Ama hala. Eğer bu bir oyunsa yetişkinler neden bunu “oynuyor”? Acı çekmek, aşk, hayatı düşünmek, ölüm gibi “oyun” neden bu kadar ciddi şeyler içeriyor? Ve elbette dilin pek çok şeye “oyun” demeye cesaret edemediğinden bahsetmeyelim. Diyelim ki Tolstoy'un “Savaş ve Barış”ı, Dostoyevski'nin “Suç ve Ceza”sı, Sholokhov'un “Sessiz Don”u...
Teorilerden biri olan “emek”, sanat ve üretim arasındaki bağın, işin doğası gereği şarkıların ve dansların ritmini dikte edecek kadar yakın olduğuna dikkat çekerek gerçek sanat anlayışına daha da yaklaşıyor. İlkel halkların kültürünü inceleyen G. V. Plekhanov, aralarında "sanatın üretim sürecinin doğrudan bir görüntüsü olduğunu" belirtti. Bütün bunlar doğrudur.
Emek teorisi, sanatın neden doğduğu, insanın neden üretim sürecini deyim yerindeyse ikiye katlaması gerektiği sorusuna cevap veremez.
Peki sanatın doğası üzerine düşünmeye başladığımızda dikkatinizi çeken ilk şey nedir? Önümüzde, ilk tahminde olduğu gibi değil, bir kişi tarafından değer verilen belirli bir nesne veya eylemin olması. Böylece avcı dansında kişi gerçek bir avdaymış gibi birçok şekilde davranır ama hayran olunan av değil danstır. Genel olarak çizimlerde, takılarda, dövmelerde de durum aynı. Bir Angola peri masalı, sanatçı olan yaşlı bir kadının üç kız kardeşe nasıl dövme yaptığını anlatır; “Üç kız kardeş de olduklarından daha da güzelleştiler. Çizimler yüzlerini, göğüslerini, karınlarını ve uyluklarını süsledi. Ve en küçüğü öyle bir hale geldi ki güzelliği artık kör edici oluyor.”
Kızlar, daha önce sahip olduklarından tamamen farklı bir şey elde ettiler ve artık güzellikle gözlerini "kamaştırmaktan" başka hiçbir şeye uygun olmayan bir şey elde ettiler.
Sonuç olarak sanat, yine de keyif veren bir tür “işe yaramaz” nesne veya olgudur. "Güzellik" kelimesi, her zaman olmasa da çoğu zaman bu neşenin eşdeğeri, bir tanımıdır. Yaşam sevinci getirmese bile insanın sanata ihtiyacı vardır.
Bu anlaşılmaz olgunun cevabını nerede bulabiliriz? Aklımıza gelen ilk düşünce, sanatın bize bir şeyler anlattığı, bir şeylerin sinyalini verdiği... Belki bize bilgi verir? Peki neden bilimin yanında? Bilim görevini yapmıyor mu? Sanat ve bilim arasındaki benzerlikler ve farklılıklar hakkında çok şey söylendi.
Bir zamanlar Rus tarihçi V.N. Tatishchev, şeylerin "doğası gereği" ve "neden oluştuğunu" tartışırken, sanatı "moda bilim" olarak sınıflandırmış ve bazılarının "gerekli" olabileceğine işaret etmişti. e.yararlı.
Bilim ve sanatı bazı noktalarda karşılaştıralım basit örnek tabiri caizse "nesneleri" ile açık bir tesadüf.
Bir çiçek alalım. Biri botanik ders kitabında, diğeri ise bir çocuğun çiziminde çizilmiştir. İlk durumda bilim var, ikinci durumda sanat var. Fark ne? Peki hangi çizim daha iyi?
Şu soru sorulur, sanırım herkes pişmanlık duyacaktır: Bunları karşılaştırmak mümkün mü?!
Bir ders kitabındaki çizimdeki ana şey nedir? Altıncı sınıf için botanik ders kitaplarından birinden alıntı yapalım lise. “Kuş kiraz çiçeğinin yapısı. Kuş kirazının küçük kokulu beyaz çiçekleri birkaç salkımda toplanır. Her çiçek kısa bir sap üzerindedir - bir sap. Pedinkülün üst kısmı genişletilir ve bir hazne oluşturur. Bir kaliks ve beş sepal, bir korolla ve beş petalden oluşur. Kaliks ve korolla birlikte periantı oluşturur. Çiçeğin ortasında her biri bir anter ve bir filamentten vb. oluşan yaklaşık 20 organ bulunur. Buradaki resimde ayrıca bir salkım ve bir çiçek (enine kesitte) gösterilmektedir.
Şimdi çocuğun çizimine bir göz atalım. Gerçeğine az çok yakın olabilir ama bunda hiçbir doğruluk olmayacağı açıktır. Bir çocuk nadiren belirli bir çiçeği çizer, genel olarak bir çiçeği tasvir eder ve bu arada, orada stamen veya sepals olup olmadığı hiç umurunda değildir. Fark ne?
Ders kitabında nasıl çalıştığını öğrenebilmemiz için bir çiçek tasvir ediliyor.
Bir çocuğun çiziminde çiçek, çocuğun dünya algısının bir ifadesi olarak tasvir edilir. Çocuk, etrafındaki her şeyin önemli bir parçası olarak onu zevkle çizdi. Onun ve dolayısıyla bizim, çiçeğin özünün doğru bir şekilde aktarılıp aktarılmadığını bilmemize gerek yok, ancak hem çocuk hem de biz çiçekte bir çocuğun varlığının ve tezahürünün neşeli işaretlerinden birini görüyoruz, yani genelleştirelim, insan varlığının belirtileri.
Yani aynı konulara bile yaklaşım farklılıkları olabiliyor.
Bilim, tarafsız, kayıtsız bir şekilde, her şeyi gören gözüyle, bir maddenin, nesnenin, olgunun yapısı veya eylemi hakkındaki gerçekleri ayrıştırır, analiz eder, sonra toplar ve rapor eder. Sanat, çevresine şaşkın bir bakışla bakar, insan açısından ilginç olan her şeyi fark eder ve yansıtır. Ve bunun aynı şeyden çok uzak olduğu ortaya çıktı.
Daha karmaşık bir örnek alalım. Yıldızlı gökyüzü gökbilimciler tarafından inceleniyor ve sanatçılar ve şairler tarafından söyleniyor. Gökbilimciler gökyüzünde ne görüyor? Gök cisimleri, yörüngeler, ışık yılı cinsinden mesafeler, radyasyon kaynakları ve dünya dışı uygarlıkların olasılığı. Şairler ne görür? İlham kaynağı.
Sanatta insan, kendisi hakkında, onun düşünceleri ve acıları, özlemleri ve hataları hakkında bir şeyler öğrenir...
Muhalif, "Ama bilim insanı incelemiyor mu?" Çalışıyor ama o değil.
Bilim genel olarak insanı ya biyolojik bir birey (anatomi, biyoloji, tıp) ya da zihinsel bir tip (psikoloji, psikiyatri, vb.) olarak inceler, ancak yaşayan tek bir kişiyi büyük ve küçük bütünlüğü içinde inceleyemez. özellikleri eşsiz ve taklit edilemez bir olgudur.
Hayır, Kırmızı Başlıklı Kız ya da Natasha Rostova, Şeytan ya da Faust hakkında bir bilim olamaz. Ve bir kişinin kendisiyle ilgili ahlaki ve diğer sorunları bilmesi son derece önemlidir. Bu olmadan, sonuçta komşusunu anlayamayacaktır; sonuçta soyutlamalardan değil, belirli, yaşayan, tamamen ölümlü insanlardan oluşan bir toplumda yaşayamayacak. Şefkatten, sevgiden aciz olmayacak...
Ve hiçbir bilim bu bilgiyi, insan ve onun yaşam alanı olarak insan dünyası hakkındaki bilgiyi veremez. Bu özellikle ilkel sanatta belirgindir. İlkel kadın heykellerinde, ilkel sanatçı klanın en önemli özelliklerini vurguluyor - doğurganlık yeteneği, klanın çoğalması. İlkel sanatçı, bir geyiği tasvir ederken alt dudağını büyütür. Neden? Onun için tehlikeli mi?
Yoksa avlandığında savunmasız mıdır? HAYIR. Bu geyiğin en lezzetli kısmıdır.
Hiç kimsenin bulunmadığı sanat eserleri bazı zorluklar doğurur. Örneğin manzara, natürmort.
Evet, aslında burada kural olarak bir kişi tasvir edilmiyor. Ama dolaylı olarak mevcut. Ya faaliyetinin izleri, ya yaşam alanı ya da - ve bu belki de en önemli şey - kendisini çevreleyen dünyaya dair kavramı. Bu nedenle, Shishkin'in tuvallerindeki güçlü doğa imgesi, ormanın bir imgesi değil, bir "endüstriyel ağaç" resmi değil, insanın döndüğü kahramanları, Doğa Ana'yı doğuran Doğa Ana'nın bir imgesidir. bir anlık acı. Sanatçı “kayıtsız doğayı” değil, ona dair kendi görüşünü, kendi anlayışını sunuyor ve bu nedenle daha önce hiçbir insanın gitmediği yerler tasvir edilse bile bize “insancıllaştırılmış” görünüyor.
Peki sanatın görüntüleri bilimin görüntülerinden bu kadar farklı olduğuna göre sanatın bilimden farkı nedir? Peki farkın tam olarak ne olduğunu anlamamız gerekiyor mu?
Sergey Şevgota.
Sanat nedir ve neden gereklidir? ve en iyi cevabı aldım
Yanıtlayan: N - art ™[Guru]
SANAT - gerçekliğin mecazi anlayışı, ifade süreci veya sonucu iç dünya(sanatsal) imgelerde, öğelerin fikirleri, duyguları veya hisleri yansıtacak şekilde yaratıcı birleşimi.
SANAT - BİLİM'in aksine - DÜNYAYI tanımanın duyusal bir yoludur.
Bu kelimenin etimolojisi İngilizce ART veya Latince ARS yani BECERİ anlamına gelmektedir. Ancak bu, sanatın ne olduğunu ve insanların hayatında ne olduğunu açıklamıyor.
Bana göre ART, insandaki zevki yani zevki şekillendirmek için tasarlandı.
Sanatı gerçekleştirmiş bir KİŞİ, değerli olanı sözde değerli olandan, gerekli olanı gereksiz olandan ayırmayı öğrenmelidir.
Toplumun gelişmesi, çok sayıda eğitimli insanın ortaya çıkmasıyla birlikte sanatta üsluplar baş döndürücü bir hızla değişmeye başlar.
Yirminci yüzyılda sanatçılar yıkıcı ve insanlık dışı savaş olgusunu görmezden gelemediler.
Modern insanın bilincinin ve düşüncesinin giderek karmaşıklaşması, sanat türleri arasındaki sınırların bulanıklaşmasına ve sentetik bir bütünün yaratılmasına yol açtı.
ART tam da güzelliğin eşiğinde ve gerçekliğin GERÇEK tasvirinde denge kurduğu için, eserlerinin pek çok dallanmış sınıflandırması vardır ve sonuçta, ön değerlendirmeye tabi tutulursa her türlü faaliyet olarak adlandırılabilir: fotoğraftan fotoğrafa. bilgisayar oyunlarından erotikaya kadar dövüş sanatları.
Bir kişinin neden ART'a ihtiyacı vardır?
MAN dışında hiç kimse sanat eserleri yaratmaya ve onlara hayran kalmaya çalışmadığından onu hayvanlardan ayıran şey budur.
Bir kişiye çabaladığı UYUM'a ulaşma yolunda rehberlik etmek, fikirlerini geniş kitlelere aktarmaya yardımcı olmak için SANAT'a ihtiyaç vardır - SANAT, dünyanın bilmecesini çözmeye çabalamamızı sağlar ve iyileştirebilir, eğlendirebilir ve bizi ritüel bir transa sokun.
Sanat eserleri ticari ürünler olabileceği gibi geçici felsefi fikirler de olabilir.
Yirminci yüzyılın sonunda sanatın genel olarak ticarileştirilmesine yönelik bir eğilim ortaya çıktı.
Daha önce sanat eserlerine sahip olmak ve aralarında olmak toplumdaki belirli bir statü ve konumun işaretiyse, zamanımızda bu fikir insanları gösterilere, özel partilere bilet almaya, özel ve pahalı ekipman ve mücevher satın almaya zorluyor.
SANAT eserlerinde neyin GEREKLİ ve ÖNEMLİ olduğu ve sanatta neyin göz ardı edileceğine ancak her bir kişi kendi sanat dünyası anlayışıyla karar verebilir).
Tabloyu sanat olarak anlamak ve ona sanatsal bir değerlendirme yapmak için yola çıkan izleyici, onu ortaya çıkarabilecek bir bakışla bakar. iç anlam Her enstrümanın kendi parçasını icra ettiği, ancak hep birlikte bir bütün oluşturduğu bir tür orkestrada olduğu gibi, unsurların birliği ve etkileşimi.
Botticelli, Raphael, Michelangelo, Rubens, Rembrandt, Velazquez ve diğer birçok ustanın sanatı, yarattıkları görüntülerde hissedilen tüm anlamsal refleksler olmadan deşifre edilemez.
Bir fikirden, bir temadan, bir olay örgüsünden ancak SANAT'ta düşüncenin ifade biçiminden ayrılamaz olduğunu unutmazsanız bahsedebilirsiniz.
Resimde anlatım biçimi kompozisyon, mekan, çizim, renktir. Heykelde ise plastik hacim vardır.
Bir resimsel şaheserin ruhu, onun resimsel maddesinden ayrılamaz.
Büyük ustaların eserlerini incelemek, modern insanları, her biri diğerinden farklı olan, ancak hepsi mükemmelliğe götüren, sanatsal yaratıcılığın farklı yollarını anlama konusunda eğitmelidir.
Elbette, tüm dileklerimizin zaten yerine getirildiğini söyleyebilmemiz için, nihai HEDEFimize yaklaşmaya yönelik doğal girişimlerde çok zaman geçmesi gerekiyor. .)) :
