Yazar Antonia Byatt'a göre, insanın dünyayı hayal etmesi, tasvir etmesi, onun bir kalıbını tutması için sanata ihtiyacı vardır. Ben de öyle düşünüyorum. Sanata ihtiyacımız var, çünkü onsuz modern insanlar olamayız, çünkü o bir bin yıldan fazla bir süredir bizimle el ele.
Ve neye sanat denebilir ve ne değildir?
Sanatın, bir insanın duygularını, izlenimlerini sergileme girişimi biçiminde yarattığı her şey olduğuna inanıyorum; bir sanatçıyı resim yapan, bir mimar maketi, bir müzisyeni besteleyip müzik çalan içsel bir dürtüdür. Bu bizim özümüz. Çizmeyen, bestelemeyen, başkalarının eserleri aracılığıyla bunun için çaba gösterir: yaratıcının ve halkın duyguları ve izlenimleri, herkes için anlaşılabilir yeni bir şeyle iç içedir, ancak aynı zamanda kişisel bir şey vardır. herkes.
Sanat, herkes tarafından anlaşılabilir veya dar bir anlayış çemberine sahip olabilir,
Ama her durumda, sanat olacak, çünkü asıl şeye sahip - duygu, yazarın eserine yatırdığı ruh.
Konunun anlatımı bile kafamı karıştırdı. Gerçek şu ki, pencerenin dışında hangi dönem olursa olsun, sanat her zaman oradadır. Ve tüketim çağı - neden şimdi? Ve MS 7. yüzyılda ne oldu ve MÖ 7. yüzyılda ne oldu? Bu tüketim nedir? Bu, maddi ve manevi malların tüketimi ise, değişen bir şey yoktur. Kabuk değişiyor - mumlar, arabalar, nanoteknolojiler ortaya çıktı, ancak tüm hayatımızın özü aynı kaldı ve insanlar hiç değişmedi, bu tarihin kendisinden veya kitaplardan açıkça görülüyor.
Tabii şimdi sözde kitle kültürü ortaya çıktı, ama gerçek şu ki insanlar her zaman kendi çağını en ileri ve en sorunlu olarak görme eğiliminde olmuşlardır ve olacaktır. Ama gerçek şu ki, Viyana klasikleri, romantik besteciler çılgınca popüler olduğunda, onları dinlemek modaya uygun, onurlu, tanıdıktı (elbette yüksek sosyete için). Ve köyde aynı şey - dities, destanlar ebeveynlerden çocuklara dolaştı ve herkes yerel şarkılarını, masallarını biliyordu. Herşey. Bu, o zamanın kitle kültürüydü, sadece bir nedenden dolayı, çoğu kişi maça kürek demekten korkuyor. Şimdi bunun kutsal olduğu genel olarak kabul ediliyor, ancak edebiyat, mimari vb. gibi sadece o zamanın müziği. Bunların bir kısmı elbette insanlığın altın fonuna girdi, ama hepsi değil.
Yani sanat ve tüketim çağı her zaman var olmuştur, sadece medeniyet durmuyor ve fikirler, sebepler ve kabuk değişiyor.
Konularla ilgili yazılar:
- Her birimiz, muhtemelen, hayatında en az bir kez “neden çalışmamız gerekiyor?” Diye merak ettik. ya da “neden okuyorum?”. Sıklıkla...
- Tarih insanların hayatıdır, yüzyıllar boyunca gelişir. Tarih bilinmeli, tarih çalışarak öğreniyoruz...
20 Haziran'da Rus Müzesi'nde gurur verici bir retrospektifim var. Sanatla kesinlikle ilgisi yoktur.
Gururu eğlendirir, ancak sanat için geçerli değildir.
Genel olarak konuşursak, sergi olgusu sanatın önemini yitirdiği bir zamanda ortaya çıktı - Sistine Şapeli üzerinde çalışan Michelangelo, sergi eksikliğinden rahatsız değildi ve Mantegna Zaferlerini on yıl boyunca dEste mahkemesinde yaşayarak yazdı. ve yazanın o olduğu gerçeği hakkında, kimse bilmiyordu. Üstelik, Deste ailesi tarafından takdir edilmeyen bu "Zaferler", İngiliz II. Charles tarafından satın alınana ve onları karanlık bir köşkte asıldıkları ve neredeyse kimsenin görmediği Hampton Court'a atıncaya kadar gereksiz yere toz topluyorlardı. bugün.
Size soracağım: Andrea Mantegna'nın “Zaferler” tablosunu biliyor musunuz, neredeyse eminim ki hiçbiriniz bu eserin varlığını hayal bile etmiyorsunuz - ve bu, her biri altı metre uzunluğunda dokuz tuvalden oluşan bir poliptik. ve bu Rönesans'ın en önemli eserlerinden biridir. Abartmıyorum, bu okuyucuyu şaşırtmak için değil, aynen öyle: Mantegna on yıl boyunca Platon kavramını netleştiren bir şey üzerinde çalıştı - bitirdi, öldü, resme gerek yoktu, sonra kibirli İngiliz onu satın aldı, taşradaki malikaneye astı ve resmi unuttular.
Ancak resim var olmayı bırakmadı ve enerjisini dünyaya verdi. Resim gizlidir ve biz onu görmüyoruz ama dünyadaki varlığının etkisi çok büyük.
Sanat, her zaman anlamlı olmayan varoluşumuza özgünlük enerjisini vermek için vardır. İnsanlara başkaları için şefkat hissetme yeteneği veren enerji türüdür; önceden bilmedikleri duyguları deneyimlemek; içsel duygularını kendi türlerinin anlaşılmaz duygularıyla karşılaştırmak, çevrelerindeki dünyayı daha keskin hissetmek. Bu, dünyanın bir tür tanınmasıdır, ancak bu, bilimin insanlara verdiği bilgi değil, kendinden geçmiş bir deneyimdir. Sanat bu deneyimi yoğunlaştırır ve dünyaya verir - üstelik gerçek sanat yüzyıllardır sürekli olarak bu eylemi üretme yeteneğine sahiptir. Burada Mantegna'nın resmi var ve bu eylem, birinin resmi görüp görmemesine bakılmaksızın düzenli olarak gerçekleşir.
Görüyorsunuz, ruhun ortaya çıkışının nesnel bir fiziksel fenomen olduğundan eminim.
Muhtemelen, Hermitage veya Louvre'dan başlarını tabloya çevirmeden yürüyen turist gruplarına dikkat etmişsinizdir - bu tür insanlarla dalga geçmek gelenekseldir.
Bence boş yere alay konusu oluyorlar: bu insanlara inanılmaz bir sanat yükü, varlığın gerçekliğinin güçlü bir enjeksiyonu veriliyor. İnsanlar tablolara bakmasalar bile tablolar onlara enerji verir.
Sonsuza dek tasarlanmış sanat yerine, bir günlük el sanatları üretmeye başlayan bir toplumda sanat sergilerine duyulan ihtiyaç ortaya çıktı. Mantegna çağlar boyunca yazdı (deşifre ettiği Plato gibi), ancak gazeteci günün konusu hakkında yazıyor, beyitçi itfaiyecinin günü için beste yapıyor ve modern sanatçı, akşam yemeğinden önce eserlerini göstermezse, zaten modern olmaktan çıkacak, felaket bu. "Kendini ilan etmek için zamanın olmaması", kendini ifade etmekte geç kalma riski - yok edilen bilinçte ortaya çıktı; bu, gazetecilik virüsünün tüm topluma aşıladığı bir ruhsal bozukluğun sonucudur.
Sanat, hayatın kendisi gibi ya vardır ya da yoktur ve sözde "sanat gerçeği", bu gerçeğin kanıtlanmasına gerek olmamasında yatar. "Anın gerçeğine", sözde "uygunluğa" tekabül etme arzusu zaten delidir çünkü an, tanımı gereği asla doğru olamaz. Her gün dünyanın her yerinde kelebek gösterileri düzenleniyor, moda geçit törenleri her mevsim aydınlanmış insanlığı şok ediyor ve dergi zoylleri her gün yeniden şaka yapıp dişlerini gıcırdatmak zorunda. Bu bekçi köpeği etkinliğidir, tiyatronun fuayesinde gerçekleşir ama sanatın kendisi başka bir şeydir.
Öğretmenlerimden biri, 70'lerin sonlarında ölen Moskovalı sanatçı Evgeny Andreevich Dodonov'du. Adını hiç duymamış olsanız da, bu önemli bir Rus sanatçı. Ancak, Mantegna'nın “Zaferleri” hakkında da bir şey duymadınız.
Evgeny Andreevich dışarıdan Zabolotsky'ye benziyordu: ceketli, yuvarlak gözlüklü temiz bir adam, evde botlarla yürüdü. Emekli olduklarında pozisyonlarını koruyan insanlar (üniversite profesörleri veya emekli askerler) var - o buydu. Kiev tren istasyonunun yakınındaki blok kopek parçasının odalarında yavaş, sakin bir adımla yürüdü - her zaman düz bir sırtla, her zaman cilalı ayakkabılarla.
Alkol içmedi, sigara içmedi, küfür etmeyi bilmiyordu - o yılların sanatçılarının renkli arka planına karşı bir muhasebeci gibi görünüyordu. Sonra (ancak, her zaman) sanatçılar görünümleriyle doğalarının özgünlüğünü vurguladılar ve kötüye kullanım ve sarhoşluk gerekli bir dekorasyondu - ve sahne sahnenin dörtte üçünü işgal etti. Bununla birlikte, kısa süre sonra bir hoşgörü izledi: performans türü, yaratıcılıkta günlük rezaletlere neden oldu.
Dodonov bunların hiçbirini beğenmedi ve nasıl olduğunu bilmiyordu ve özgürlüğü seven hiçbir şirkete giremedi.
Herhangi bir şirkete katılmak istemiyordu. İnatçı bir ressamdı - hayatı boyunca başına gelenleri ve neslini çizdi: kamplar ve transferler, yemek kuyrukları, taşra meydanlarında garip sahneler, ağlayan insanlar, mülteciler, dilenciler çizdi. Dodonov, savaştan sonra ayrılan kampta on yıldan fazla bir süre geçirdi ve sonraki yıllarda ülkeye ne olduğunu anlattı.
Kanvaslı bir şövale bir odaya sığmayacağı için kağıda - kurşun kalem ve tempera ile - boyadı. Dodonov, tuhaf detayların tadını çıkararak, detayları çizerek uzun bir süre çizdi ve sonra resimleri yatağın altına koydu. Ne sergi ne de satış bekleniyordu. Çizginin gergin olduğunu ve karakterlerin özelliklerinin grotesk bir şekilde ele alındığını akılda tutarsak, Dodonov'un tarzı büyük olasılıkla "dışavurumculuk" olarak adlandırılmalıdır. Tüm bu tanımlar koşulludur ve Rus sanatında dışavurumculuk olgusu yanlış tanımlanmıştır. Özünde, dışavurumculuk, stilistik aygıtları ikon resminden miras alır: Rus örneğinde Novgorod ikonundan ve örneğin İspanyol örneğinde, Girit El Greco aracılığıyla Yunan ikon resminden. Rus dışavurumcuları Filonov, Goncharova idi. Chagall, Falk, Drevin - ama tekrar ediyorum, mesele resepsiyonda değil, elin seyrinde değil. Bu üslubun kaynağı olan ikonik şevk, birinin doğasında vardır, ancak birinin içinde değil: Van Gogh, Georges Rouault ve Egon Schiele'yi aynı gerekçeyle dışavurumcu olarak adlandırıyoruz. Dodonov samimi, fanatik bir adamdı ve bu daha da şaşırtıcı - günlük yaşamda ölçülü ve sıkıcı bir şekilde temizdi. Ama sonuçta Van Gogh'un resimleri düzgün çerçevelere yerleştirilmiş.
Çoğu zaman tam tersi örnekleri görüyoruz: görünümüyle ezici bir dekoratif etki yaratan fırtınalı bir kişilik, gerçekte kesinlikle hiçbir şey yaratmaz - ve Yevgeny Andreevich iyi huylu bir insandı ve kısıtlama ile davrandı, ancak resimleri son derece fırtınalıydı.
Ölümünden sonra, 2000 yılında Tretyakov Galerisi'nde bir sergisi vardı. Baktılar, hatta şaşırdılar, birçoğu beğendi, ama tam orada unuttular - “anın gerçeği”, dünya markalarına göre yeni kredilerde, Putin'in gelişinde 98'inci krizin üstesinden gelmekti ve trendler - böyle tutkular, nefes nefese! Çağdaş sanatçıların sergileri dünyanın galerilerinde yuvarlandı, bu böyle devam eden bir hırs maratonu - zamanında orada olmak ve sonra burada: Venedik, Basel, Londra, daha doğrusu, kimin zamanı yoksa geç kaldı! Dodonov'un bununla ne ilgisi var? Yani eşyaları yatağın altında yatıyordu. Doğru, son zamanlarda resimleri Volga Sanat Galerisi tarafından satın alındı, yeni bir müze ortaya çıktı; Buna katkıda bulunmaktan gurur duyuyorum. Sergi, Dodonov'un yaklaşık yirmi eserini hemen içerecek.
Ancak bu da bir şey ifade etmez. Onu bir mucizeyle elde ettiler, fark etmemiş olabilirler - sonuçta ünlü grupların üyesi değildi, doğru zamanda doğru insanlarla tanışmadı.
Söylemek gelenekseldir: onun zamanı gelecek. Bu saçmalık, inanmayın. Bu asla bir teselli olmamalı. Zaman gelebilir veya gelmeyebilir - bir an olarak, bir gerçeklik olarak, bir gazete tıkırtı makalesi olarak, "on beş dakikalık şöhret" olarak anlaşılır - böyle bir zaman asla gelmeyebilir. Ama o zaman önemli değil. Bir kez gelen sanatçının zamanı her zaman kalır - sanatın acelesi yoktur, sadece vardır, kalır, unutulur, hatta bilinmez, dünyayı değiştirir - bu onun gücüdür.
Bu güç yenilmezdir.
Hepimiz, çizimlerin yorumlanması gibi bir psikolog yönteminin farkındayız. Ancak çok az insan bunun ne kadar güçlü bir felsefi temele dayandığını düşünüyor.
Çocuklarla birlikte en zor konuyu “19. yüzyılın sonları - 20. yüzyılın başlarındaki dünya görüşü krizi ve bunun edebiyat ve sanata yansıması” konusunu incelerken, onlara sanatın özünü çok basit, her günkü ve tanıdık bir örnekle anlattım. anne. Bir keresinde oğullarım için anaokuluna geldiğimde ve merdivenlerde 8 Mart için bir çizim sergisi gördüm. Portremi biraz korkuyla aradığımı itiraf ediyorum: 90'ların ortasındaydı ve sadece kuaför için değil, yemek için bile yeterli para yoktu. O yıllarda bitkin görünüyordum ve kısa sürede anlaşıldığı gibi, birkaç hafta sonra ayrıldığım depresyonun eşiğindeydim. Ayrıca ön dişim uzun zamandır yarı yarıya kırıktı ve bu gülümsememi de engelledi.
Oğlumun beni altın sarısı saçları ve neşeli bir gülümsemeyle resmettiğini öğrendiğimde yaşadığım şoku hayal edin. Bir içgörü gibi, düşünce geldi: küçük şeyler ve önemsiz şeyler çocuklar için önemli değil - fenomenlerin özüne nüfuz ediyorlar. Anne güzellik, nezaket ve bir gülümsemedir. Ve gerçek bir anne yorgun ve kızgın olabilir, ancak çocuk onu neşeli ve güzel çizecektir. En azından aksi kanıtlanana kadar. Bu nedenle, sanatın dünyayı tanımanın bir yolu olduğu unutulmamalıdır. Ancak, bir çocuktan en çok ne isteriz? Böylece çizer ve şekillendirir, gerçeğe maksimum benzerlik sağlar.
Ve şimdi, bir sanat eseri için en büyük övgünün “hayattaki gibi” ve hatta “bir fotoğraftaki gibi” olduğu ve sanatın rolünü basit kopyalamaya indirgeyen bir kişi büyüyor. Ancak, etrafımızdaki dünya fikrimizle örtüşmeyen bakışımızı durdurması gereken şey tam olarak budur, çünkü bize gerçeği ortaya çıkarabilecek şeyler tam olarak bunlardır. Sanatçı sadece hayattan çizim yapmıyor ya da tuvale rastgele boya atmıyor - gördüğü şeyin anlamını kavramaya çalışıyor. Görsel sanat bize hayatı olduğu gibi gösterir, hayal ettiğimiz gibi değil. Bunda sanat bilime yaklaşır ve modern felsefede özel bir terim vardır - bilimsel olmayan biliş biçimleri. Bazı bilim adamları gibi, bu formlar hakkında şüpheci olmak gerekli değildir, çünkü felsefi biliş yöntemi de bu kategoriye aittir. Sanat ve bilim karşıt değil, birbirini tamamlıyor.
Bu nedenle müzede anlamadığınız şeyin üzerinden geçmeye değil, durup nedenini düşünmeye çalışın. Örneğin bir manzarayı betimleyen bir resmin önünde durmayı alışkanlık haline getirin ve genellikle çok sıradan olan bu özel görüntünün neden sanatçının dikkatini çektiğini merak edin. İnanın bana, bu çok ilginç ve kendinizde çok şey anlamanıza yardımcı olacak.
Tarihte, sanatta olduğu gibi, bu kadar çok zevk ve lanet, drama ve gizem, bulunan ve kaybedilen mutlulukla ilişkilendirilen başka hiçbir fenomen yoktur. Ancak, öyle görünüyor ki, burada belirsiz olan ne olabilir? Birçok halkın dilinde (Rusça, Ukraynaca, Çekçe, vb.), Bu kelime beceri, beceri anlamına gelir. Bir kişinin herhangi bir ürünü hakkında, iyi çizmeler veya bir somun ekmek olsun, "gerçek sanat" diyebilir! Gerçekten de, herhangi bir usta işinin ustasıdır.
Genel olarak sanat nedir? Ve bunu anlamanın zorlukları nelerdir?
Çocukluktan, okuldan, Nekrasov'un “Rusya'da kim iyi yaşamalı” şiirinden köylü Yakim'in hikayesini hatırlıyoruz:
Onunla bir dava vardı: resimler
oğlunu satın aldı
Onları duvarlara asın
Ve kendisi bir çocuktan daha az değil
Onlara bakmayı sevdim...
Sonra bir yangın çıktı ve Yakım, bir asırdan fazla bir süredir biriken 35 rubleyi ateşten çıkarmak yerine resimleri kurtarmaya başladı ...
Bununla bağlantılı olarak, çocukluktan itibaren, gereksiz resimleri tüm servetine tercih eden böyle pratik olmayan bir Yakım'ın imajı hafızada kalır. Neden yararsızlar doğrudan çıkar, açık yarar karşısında galip geldi? Her şey için "eğitimsiz" Yakım'ı suçlamayalım. Daha sonra eğitimin en üst seviyesindeki insanların sanat için daha az fedakarlık yapmaya hazır olmadığını göreceğiz.
Böylece, seçkin Rus sanatçı Aleksandr İvanov, 20 yılını ana tablosu olan Mesih'in İnsanlara Görünüşü'nü resmetmek için harcadı. Neredeyse bir ömür! Onu bu çileci işi yapmaya iten nedir?
Sanatın insanlar üzerindeki bu kadar güçlü etkisinin nedeni ve nedeni ilk bakışta anlaşılamamaktadır. Etkisi altında, söylendiği gibi, hem kahramanlıklar hem de suçlar, bazen trajik hatalar işlenir.
Komutan, askerlerin yorulduğunu görünce ne yapar? Emirler: şarkı söyle! Savaş sırasında, yedek el bombaları ve kartuşların yanında, askerin sırt çantalarında ciltler dolusu Puşkin, Lermontov, Tyutchev vardı - hiç de "askeri" şairler değil. Büyük İskender bir hançerle Homeros'un İlyada'sını yastığının altına sakladı.
Görünüşe göre sanatta, itaat ettikleri, insanların ihtiyaç duyduğu, kendisine çekildiği, kendi içine çektiği bir tür güç var. Diyelim ki karikatürlerin yönlendirildikleri kişiler tarafından sevilmedikleri açık. Ancak bazen oldukça masum, birini teşhir etme açısından, resimler patlayıcı güç kazanıyor.
Sanat bir insanı diğer yöne itebilir, hiç de değerli olmayan düşüncelere ilham verebilir. Böylece, Goethe'nin "Genç Werther'in Acıları" adlı eseri bir zamanlar bir intihar dalgasına neden oldu ve "Tarzan" filmi gençlere birçok yaralanma getirdi: ağaçlara topluca tırmandılar ve "Tarzan'da" bağırdılar.
Edebiyat tarihi, bir polis müfettişi tarafından kocasından neden kaçtığını sorduğunda, belirli bir Fransız kadının savunmasında bir şey söyleyemediği, sadece Balzac'tan büyük parçalar alıntıladığı bir vakayı biliyor ...
Sanatla ilgili ana "neden" imize geri dönelim ve şu soruyu cevaplamaya çalışalım: bir insanın neden sanata ihtiyacı var, neden ortaya çıktı ve neden yok olmuyor, aksine giderek daha fazla yeni hayran kazanıyor. ?
Adam bugün bunu düşünmeye başlamadı. Sanatın nedenlerini anlamaya çalışırken, az çok makul bir takım açıklamalar ortaya koydu. Bunlardan ilki, sanatı ilkel büyüden türeten sözde "büyülü" sanat teorisidir. Ama insan büyüyü aştığında sanatın neden ortadan kaybolmadığını açıklayamaz.
Başka bir teori - "oyun" - sanatı bir oyuna benzetiyor. Bu teorinin destekçileri arasında birçok seçkin akıl vardı ve sanatta bir oyun unsurunun olduğu inkar edilemez. Bugün bile sanatçıyı överek “Harika oyun!” diyoruz. Ama hala. Eğer bu bir oyunsa, neden yetişkinler onu "oynarlar"? Acı, aşk, yaşam, ölüm hakkındaki düşünceler gibi "oyuna" neden bu kadar ciddi şeyler giriyor? Ve elbette, çoğu dilin basitçe ona “oyun” demeye cesaret edemediği gerçeğinden bahsetmeyeceğiz. Örneğin Tolstoy'un "Savaş ve Barış", Dostoyevski'nin "Suç ve Ceza", Sholokhov'un "Sessiz Akışlar Don"...
Teorilerden biri olan "emek", sanat ve üretim arasındaki bağlantıyı fark ederek, sanatın doğru anlaşılmasına daha da yaklaşır; bu, eserin doğasının şarkıların ve dansların ritimlerini belirlediği kadar yakındır. İlkel halkların kültürünü inceleyen G. V. Plekhanov, aralarında "sanatın üretim sürecinin doğrudan bir görüntüsü olduğunu" belirtti. Bütün bunlar doğrudur.
Emek teorisi, sanatın neden ortaya çıktığı, insanın neden deyim yerindeyse üretim sürecini ikiye katlaması gerektiği sorusuna yanıt veremez.
Peki sanatın doğası hakkında düşünmeye başladığımızda aklımıza gelen ilk şey nedir? Önümüzde, bir kişi tarafından ilk yaklaşımdaki gibi değil, değer verilen belirli bir nesne veya eylemin olması. Yani, avcının dansında, kişi birçok yönden gerçek bir avda olduğu gibi davranır, ancak yine de avı değil, dansı takdir eder. Benzer şekilde, genel olarak çizimler, mücevherler, dövmeler. Bir Angola masalında, yaşlı bir kadının - bir zanaatkarın nasıl üç kız kardeş için dövme yaptığı söylenir; “Üç kız kardeş de olduklarından daha güzel hale geldiler. Çizimler yüzlerini, göğüslerini, midelerini, kalçalarını süsledi. Ve en küçüğü öyle bir hale geldi ki güzelliği şimdi gözlerini kör etti.
Kızlar, daha önce sahip olduklarından tamamen farklı ve artık gözlerini güzellikle “kamaştırmaktan” başka hiçbir şeye uygun olmayan bir şey elde ettiler.
Bu nedenle sanat, yine de neşe getiren bir tür “işe yaramaz” nesne veya fenomendir. "Güzellik" kelimesi her zaman olmasa da çoğu zaman bu sevincin karşılığıdır. Sanat, yaşama neşe getirmese bile insan için gereklidir.
Bu anlaşılmaz fenomene çözüm nerede bulunur? Akla gelen ilk düşünce, sanatın bize bir şey söylemesi, bir şeyin sinyallerini vermesi... Belki bilgi verir? Ama neden bilimin yanında? Bilim işini yapmıyor mu? Sanat ve bilim arasındaki benzerlikler ve farklılıklar hakkında çok şey söylendi.
Bir zamanlar, Rus tarihçi V.N. Tatishchev, nesnelerin “doğası gereği” ve “nelerden oluştuğunu” tartışırken, sanatı “akıllı bilimlere” bağladı ve bazılarının “gerekli olabileceğini” belirtti. kullanışlı.
Bilim ve sanatı basit bir örnek üzerinde, tabiri caizse "nesneleri" konusunda bariz bir tesadüfle karşılaştıralım.
Bir çiçek alalım. Biri botanik ders kitabında çizilmiş, diğeri ise bir çocuğun çiziminde. İlk durumda, ikinci sanatta bilimimiz var. Fark ne? Ve hangi çizim daha iyi?
Bu soru soruldu, bence, herhangi bir kişi pişmanlık yaşayacaktır: nasıl karşılaştırılabilirler?!
Ders kitabından çizimdeki ana şey nedir? Lise altıncı sınıf için botanik ders kitaplarından birinden alıntı yapalım. “Kuş kiraz çiçeğinin yapısı. Kuş kirazının küçük kokulu beyaz çiçekleri, fırça şeklinde birkaç tane toplanır. Her çiçek kısa bir sap üzerinde bulunur - pedicel. Pediselin üst kısmı genişler ve bir hazne oluşturur. Bir kaliks ve beş çanak yaprağı, bir taç yaprağı ve beş taç yaprağı vardır. Kaliks ve taç birlikte periantı oluşturur. Çiçeğin ortasında, her biri bir anter ve bir ercik filamenti vb.'den oluşan yaklaşık 20 organ vardır. Burada, şekil ayrıca bir fırça ve bir çiçek (kesitte) göstermektedir.
Bir çocuğun çizimine bakalım. Gerçek çiçeğe aşağı yukarı yakın olabilir, ancak onda doğruluk olmayacağı açıktır. Bir çocuk nadiren belirli bir çiçeği çizer, genel olarak bir çiçeği tasvir eder ve bu arada, organlarındaki veya sepals'ın olup olmadığını en azından umursamıyor. Fark ne?
Ders kitabında çiçek nasıl çalıştığını öğrenmemiz için tasvir edilmiştir.
Bir çocuk çiziminde çiçek, çocuğun dünyayı algılayışının bir ifadesi olarak tasvir edilir. Çocuk, etrafındaki her şeyin önemli bir parçası olarak zevkle çizdi. Çiçeğin özünün bu kadar hassas bir şekilde aktarılıp aktarılmadığını bilmek onun ve dolayısıyla bizim için gerekli değildir, ancak hem çocuk hem de biz çiçekte çocuksu varoluşun ve tezahürün neşeli işaretlerinden birini görüyoruz, yani genelleme yapmak için. , insan varlığının işaretlerinden biridir.
Dolayısıyla, aynı konulara bile yaklaşım farkı vardır.
Bilim, her şeyi gören gözüyle, kayıtsızca, tarafsızca ayırır ve analiz eder, sonra bir maddenin, nesnenin, olgunun yapısı veya eylemi hakkında gerçekleri toplar ve raporlar. Sanat ise çevreye şaşırmış bir bakışla bakar, insan açısından ilginç olan her şeyi fark eder ve yansıtır. Ve bunun aynı şey olmadığı ortaya çıktı.
Daha karmaşık bir örnek alalım. Yıldızlı gökyüzü gökbilimciler tarafından incelenir ve sanatçılar ve şairler tarafından söylenir. Gökbilimciler gökyüzünde ne görüyor? Gök cisimleri, yörüngeler, ışık yılı içindeki mesafeler, radyasyon kaynakları ve dünya dışı uygarlıkların olasılığı. Şairler ne görür? İlham kaynağı.
Sanatta, bir kişi bir kişi hakkında, düşünceleri ve acıları, özlemleri ve hataları hakkında bir şeyler öğrenir ...
Muhalif, "Ama bilim insanı incelemiyor mu?" diyecek. O okuyor, ama o değil.
Bilim, genel olarak bir kişiyi biyolojik bir birey (anatomi, biyoloji, tıp) veya zihinsel bir tip (psikoloji, psikiyatri, vb.) küçük özellikler, benzersiz ve tekrarlanamaz bir fenomen olarak.
Hayır ve Kırmızı Başlıklı Kız veya Natasha Rostova, Demon veya Faust hakkında hiçbir bilim olamaz. Ve bir kişinin kendileriyle ilişkili ahlaki ve diğer sorunları bilmesi son derece önemlidir. Bu olmadan, nihayetinde komşusunu anlayamayacak, sonuçta soyutlamalardan değil, somut, yaşayan, tamamen ölümlü insanlardan oluşan bir toplumda yaşayamayacaktır. Merhamet, sevgi beceremeyecek...
Ve bu bilgi - insan ve onun yaşam alanı olarak insanın dünyası hakkında bilgi - hiçbir bilim veremez. İlkel sanatta bu özellikle fark edilir. İlkel kadın heykellerinde, ilkel sanatçı, cins için en önemli özellikleri - doğurgan olma, cinsi yeniden üretme yeteneği - vurgular. Bir geyiği betimleyen ilkel bir sanatçı, alt dudağını büyütür. Niye ya? Onun için tehlikeli mi?
Yoksa avlanmaya karşı savunmasız mı? Numara. Bu geyiğin en lezzetli kısmı.
Hiç kimsenin olmadığı sanat eserleri bazı zorluklar sunar. Örneğin, manzara, natürmort.
Evet, gerçekten de, burada bir kişi, kural olarak tasvir edilmemiştir. Ama dolaylı olarak mevcuttur. Ya faaliyetlerinin izleri ya da yaşam alanı ya da - ve belki de en önemlisi - çevreleyen dünya kavramı. Bu nedenle, Shishkin'in tuvallerindeki güçlü doğanın görüntüsü, bir "iş ahşabı" resmi değil, bir ormanın görüntüsü değil, bir insanın bir ağaçta tutunduğu, kahramanlar doğuran doğa ananın bir görüntüsüdür. hüzün anı. Sanatçı “kayıtsız doğa” değil, ona kendi bakış açısını, kendi anlayışını sunar ve bu nedenle insan ayağının ayak basmadığı yerler tasvir edilse bile bize “insanlaşmış” görünür.
Peki sanatın imgeleri bilimin imgelerinden çok farklı olduğuna göre sanat ve bilim arasındaki fark nedir? Ve farkın tam olarak ne olduğunu anlamamız gerekiyor mu?
Sergey Şevgota.
Sanat nedir ve neden gereklidir? ve en iyi cevabı aldım
N - art ™[guru]'dan yanıt
SANAT - gerçekliğin figüratif bir anlayışı, iç dünyayı (sanatsal) bir görüntüde ifade etme süreci veya sonucu, öğelerin fikirleri, duyguları veya duyguları yansıtacak şekilde yaratıcı bir kombinasyonu.
SANAT - BİLİM'in aksine - DÜNYAYI tanımanın duyusal bir yoludur.
Bu kelimenin etimolojisi İngilizce ART'den veya BECERİ anlamına gelen Latince ARS'den gelir. Ancak bu, sanatın ne olduğunu ve insanların yaşamlarında ne olduğunu açıklamaz.
Bana göre SANAT kişinin zevkini yani damak zevkini şekillendirmek için tasarlanmıştır.
Bir ADAM - sanatı gerçekleştiren, değerliyi sahte - değerliden, gerekli olandan gereksizden ayırmayı öğrenmelidir.
Toplumun gelişmesi, çok sayıda eğitimli insanın ortaya çıkması ile sanatta üsluplar büyüleyici bir hızla birbirini değiştirmeye başlar.
Yirminci yüzyılda sanatçılar, yıkıcı ve insanlık dışı savaşlar olgusunu görmezden gelemezlerdi.
Modern insanın bilincinin ve düşüncesinin karmaşıklığı, sanatlar arasındaki sınırların bulanıklaşmasına ve sentetik bir bütünün yaratılmasına yol açmıştır.
Tam da ART, güzelliğin eşiğinde ve gerçekliğin GERÇEK tasviri üzerinde dengede olduğu için, eserlerinin o kadar çok dallı sınıflandırması vardır ki, eğer ön değerlendirmeye tabi tutulsaydı, sonunda her türlü faaliyet olarak adlandırılabilir: fotoğrafçılıktan dövüşe bilgisayar oyunlarından erotik sanatlara.
Bir insan neden ART'a ihtiyaç duyar?
Onu hayvanlardan ayıran şey budur, çünkü İNSAN dışında hiç kimse sanat eserleri yaratmaya ve hayranlık duymaya çalışmaz.
Bir kişiye, arzu ettiği HARMONY'a ulaşma yolunda rehberlik etmek, fikirlerini geniş kitlelere iletmeye yardımcı olmak için SANAT gereklidir - SANAT, dünyanın bilmecesini çözmeye çalışmamızı sağlar ve iyileştirebilir, eğlendirebilir veya yapabilir. ritüel bir transa dalın.
Sanat eseri ticari bir ürün olabilir veya geçici felsefi fikirler olabilir.
Yirminci yüzyılın sonunda, sanatın genel bir ticarileşmesine yönelik bir eğilim vardı.
Daha önce sanat eserlerine sahip olmak ve bunların arasında olmak toplumda belirli bir statü ve konumun işaretiyse, o zaman zamanımızda bu fikir insanların gösteriler, özel partiler için bilet satın almalarını, özel ve pahalı ekipman, mücevher satın almalarını sağlıyor.
SANAT eserlerinde neyin GEREKLİ ve ÖNEMLİ olduğu ve sanatta nelerin göz ardı edilmesi gerektiği - sadece sanat dünyasını kendi anlayışına sahip her birey kendisi için karar verebilir).
Resmi sanat olarak anlamayı ve ona sanatsal bir değerlendirme yapmayı kendine görev edinen izleyici, ona iç anlamını, birliğini ve öğelerin etkileşimini ortaya koyabilecek bir bakışla, her birinin her birinin içinde bulunduğu bir tür orkestrada olduğu gibi bakar. enstrüman kendi rolünü yerine getirir, ancak hep birlikte bir bütün oluşturur.
Botticelli, Raphael, Michelangelo, Rubens, Rembrandt, Velasquez ve daha birçok ustanın sanatı, yarattıkları imgelerde hissedilen tüm anlamsal refleksler olmadan deşifre edilemez.
Bir fikirden, bir temadan, bir olay örgüsünden ancak SANAT'ta düşüncenin ifade biçiminden ayrılamaz olduğunu unutmamak şartıyla söz edilebilir.
Resimde ifade biçimi kompozisyon, boşluk, çizim, renktir. Ve heykelde - plastik hacim.
Resimsel bir başyapıtın ruhu, resimsel maddesinden ayrılamaz.
Büyük ustaların yaratıcılığının incelenmesi, modern insanı, her biri diğerinden farklı olan, ancak hepsi mükemmelliğe götüren sanatsal yaratıcılığın farklı yollarını anlama konusunda eğitmelidir.
Tabii ki, tüm dileklerimizin zaten gerçekleştiğini söyleyebilmemiz için, nihai HEDEFimize yaklaşmak için doğal girişimlerde çok zaman geçmesi gerekir. .)) :
